February, 2020 | EMS Near Miss

Emsnearmiss

Musik – Musik Pop Yang Terdapat Di Tahun 2020

22 Feb2020

Musik – Musik Pop Yang Terdapat Di Tahun 2020 – Lagu nomor 1 di Amerika minggu ini telah dirilis lebih dari 25 tahun yang lalu. Mariah Carey, “All I Want For Christmas Is You” sering dianggap lagu paling baru untuk menjadi standar liburan, tetapi karena alasan yang sebagian besar terkait dengan aturan bisnis, teknologi, dan bagan Billboard, itu bukan hit 100 hit saat dirilis pada tahun 1994.

Musik Pop

Banyak yang telah berubah sejak saat itu, termasuk aturan bisnis, teknologi, dan bagan Billboard. Memungkinkan Natal klasik Carey muncul sebagai, dalam kata-kata pakar grafik Chris Molanphy, “Sebuah terobosan menunggu metrik untuk mengejar ketinggalan.” raja slot

“Pop” artinya banyak hal berbeda bagi banyak orang berbeda, tetapi seperti biasa sebagai musik yang menjadi populer secara masif, statistik, tidak dapat dihindari (terutama di Amerika Serikat) dan para seniman. Mungkin mereka melakukannya dengan menarik ide-ide tertentu tentang apa yang merupakan musik pop, kait raksasa, lirik yang dapat dikutip, www.americannamedaycalendar.com

ketukan yang menginspirasi gerakan tubuh yang tidak disengaja, karakteristik yang secara longgar dipahami sebagai diakses dan menarik perhatian, tetapi untuk tujuan kita pop kurang merupakan gaya musik dari wadah untuk memahami suara dominan saat ini.

Terlepas dari upaya pengukuran terbaik dari Billboard dan lainnya, tidak ada satu prisma pun yang dapat Anda tinjau untuk memahami apa yang disebut pop sekarang. Bagaimana miliaran track stream dibandingkan dengan ratusan ribu penjualan album?

Musik Populer

Bisakah lagu dengan lebih meyakinkan mengklaim kejenuhan budaya dengan menekan nomor 1 di grafik penjualan iTunes atau dengan tampil di meme TikTok yang berulang-ulang tanpa henti? Bisakah seseorang dengan tergesa-gesa menyusun esai untuk mengomunikasikan luasnya musik populer pada awal tahun 2020? Mari kita mulai mengupas ini.

Memahami seberapa banyak konsumsi, promosi, dan diskusi tentang musik berubah selama 10 tahun terakhir adalah penting untuk memahami apa pop saat ini dan bagaimana cara kerjanya. Yang membawa kita kembali ke “All I Want For Christmas Is You.” Begitu banyak infrastruktur yang memungkinkan Carey mencapai # 1, infrastruktur yang menggerakkan musik pop seperti yang kita kenal sekarang, tidak ada 10 tahun yang lalu. Flash kembali ke hari ini di 2010:

Anda belum dapat melihat foto dan klip video di Twitter. Instagram masih beberapa bulan lagi dari peluncuran. Spotify tidak akan datang ke AS selama lebih dari setahun, dan Beats Music, platform yang kemudian menjadi Apple Music tidak akan memulai pengembangan untuk tahun berikutnya setelah itu.

Sangat mudah untuk melupakan bagaimana streaming baru-baru ini menjadi kekuatan dominan dalam distribusi musik dan media sosial menjadi elemen dasar masyarakat. Seiring dengan berkembangnya standar Billboard tentang lagu apa yang dapat dimasukkan pada Hot 100 (pada titik ini pada dasarnya apa saja berjalan) dan di mana statistik pada lagu-lagu itu dapat dikumpulkan

Mega-hit Viral

(YouTube playcount adalah pengubah permainan), streaming dan platform sosial memainkan peran sentral dalam pengembangan pop di tahun 2010-an. Begitu banyak hits yang mendefinisikan suara pop tahun terakhir ini mungkin tidak akan terjadi tanpa perubahan ini.

Yang terbesar, tentu saja, adalah “Old Town Road.” Andrew Billberger dari Billboard menjelaskan bagaimana mega-hit viral mencontohkan tentang apa yang muncul dalam dekade terakhir ini dan ke mana perginya:

“Dunia musik populer di dunia akhir tahun 2010an adalah tahun yang sangat tidak terduga, di mana bintang-bintang baru dicetak dalam semalam dan yang lama dapat kembali dengan kekuatan penuh yang tampaknya pada saat itu juga, di mana keruntuhan genre secara keseluruhan membuat daftar putar radio dan surat suara Grammy hampir tidak mungkin untuk diisi dengan benar, dan di mana masa depan genre tampaknya sebagian besar berada di tangan sekelompok anak-anak. “

Seorang penyanyi rap country Lil Nas X adalah kejeniusan di banyak tingkatan. Dia memanfaatkan ekonomi perhatian modern dengan baik: mempromosikan “Old Town Road” melalui akun meme yang diikuti dengan baik, memposisikannya untuk diedarkan dalam video TikTok yang dibuat pengguna, mempersenjatai kemarahan atas keputusan Billboard untuk mengeluarkannya dari tangga lagu negara, merilis remix setelah remix untuk lebih memperluas bootprint budaya lagu yang sudah besar.

Kami juga tidak dapat mengabaikan kekuatan lagu sebagai agen pening yang musikal, kemampuannya untuk menarik perhatian anak-anak dan juga mengubah orang dewasa menjadi anak-anak. Dan di tengah-tengah begitu banyak musik yang merefleksikan kebingungan dan keputusasaan zaman, pendengar berada di pasar untuk bersenang-senang apakah mereka menyadarinya atau tidak. Getaran terus berkembang pada tahun 2019, tetapi “Old Town Road” adalah salah satu dari beberapa lagu yang melanda seperti menerobos sinar matahari.

Media Sosial Modern

“Old Town Road” adalah lagu yang bagus, tetapi keberhasilannya hanya sebagian berasal dari absurditas yang menggembirakan dalam botol. Lil Nas X juga memahami bahwa di lingkungan media sosial modern kita, ketenaran adalah mata uang yang dominan, sering diukur dalam suka, saham, dan retweet.

Dia tahu bahwa streaming telah memungkinkan anak-anak muda yang pernah bergantung pada uang saku untuk musik mereka untuk memengaruhi tangga lagu yang belum pernah ada sebelumnya. Dia menemukan cara untuk menyaring esensi meme menjadi dua menit musik yang sangat menular, dan popularitasnya sangat bertahan hingga menjadi hit # 1 terlama dalam sejarah Hot 100 – melampaui Mariah Carey dan memblokir merek.

Nama bintang seperti Taylor Swift, Ed Sheeran, dan Justin Bieber dari # 1. (Shawn Mendes dan Camila Cabello juga, meskipun “Señorita” mereka akhirnya pulih untuk meraih mahkota setelah masa pemerintahan Lil Nas X akhirnya berakhir.)

Artis yang akhirnya melengserkan “Old Town Road,” setelah 19 minggu meliputi sebagian besar musim semi dan musim panas, adalah salah satu tokoh yang paling mewakili pop seperti kedengarannya sekarang. Billie Eilish, “Bad Guy” yang jarang, bertenaga bass, dan sangat aneh. Trek klub yang menyenangkan dengan musik gothic trap menghabiskan banyak minggu di # 2 di belakang smash supernova Lil Nas X sebelum akhirnya berhasil menjadi tangga lagu pertamanya.

Arus Utama Internet

Kritikus terkemuka Craig Jenkins menyebut debut Eilish sebagai “album pop pasca-Reputasi yang aneh yang tampaknya serba guna dan pasca-genre dengan semata-mata fungsi rasa dan kreativitas, alih-alih dekrit perusahaan rekaman.” Itu adalah karya dua saudara kandung (Eilish dan saudara lelakinya / produser Finneas) yang telah menginternalisasi banyak tren yang mendominasi arus utama internet dekade terakhir ini.

Musik Eilish mengkristal pengaruh beberapa seniman yang menjadi ikon pada tahun 2010 dari dalam industri tetapi sebagian besar di luar batas radio Top 40: drama Lana Del Rey yang siap pakai di Instagram, minimalis minimalis sintetis Lorde, hip-style yang bergaya Provokasi hop Tyler, Sang Pencipta, genre-hopping yang tidak lazim dari XXXTentacion.

Dan tentu saja masih ada dampak dari Kanye West, yang terus membayangi di tahun 2010 bahkan ketika ia beralih dari pembuat lagu yang tak terhentikan ke musisi kultus paling terkenal di dunia (dan kemudian, tahun lalu, musisi Kristen paling terkenal di dunia).

Jika Kanye dibombardir oleh kegilaan seni berbalut kulit, Yeezus menjulang di atas karya Eilish dan dalam sebagian besar musik akhir-akhir ini yang bergaya kegelapan dengan mode-tinggi menggunkanan ledakan kekhasan menawan tahun 808-an yang lebih berpengaruh & Heartbreak mungkin dimiliki akhirnya menemukan titik akhir dari silsilahnya dengan Post Malone.

Pada awal 808-an, tahun 2010 menjadi dekade rapper yang bernyanyi di Auto-Tune tentang patah hati mereka, jenis baru blues yang memuncak dalam rap berkuasa Post Malone sementara bahkan nyaris tidak terdengar seperti seorang rapper. Pada tahun 2019 ia mencetak banyak hit mengerikan yang mentransmutasikan hip-hop menjadi sesuatu yang lebih seperti rock klasik yang mudah didengar, di antaranya “Sunflower,” “Goodbye,” dan “Circle.”

Emsnearmiss

Inilah 10 Genre Musik Yang Sangat Populer

22 Feb2020

Inilah 10 Genre Musik Yang Sangat Populer – Genre musik adalah kategori konvensional yang mengidentifikasi beberapa karya musik sebagai milik tradisi bersama atau serangkaian konvensi. Musik dapat dibagi menjadi genre yang berbeda dengan berbagai cara. Sifat artistik musik berarti bahwa klasifikasi ini seringkali subyektif dan kontroversial, dan beberapa genre mungkin tumpang tindih.

Di bawah ini adalah 10 genre teratas di industri musik saat ini:

1. Electronic Dance Music:

Secara umum disebut EDM, bentuk musik ini diproduksi oleh DJ yang menambahkan puluhan nada pada karya untuk menciptakan musik yang unik. Electronic Dance Music adalah “semua musik yang diproduksi secara elektronik dengan tujuan untuk membuat orang menari mendengar iramanya”. Anda dapat mendengarnya di klub atau bahkan langsung, tergantung pada aksesibilitas Anda. dewa slot

Dengan tetap mempertahankan definisi yang disebutkan di atas, kita dapat melacak kembali permulaan Electronic Dance Music ke Jamaika pada 1960-an. Para seniman di sana mencoba untuk membuat bentuk musik baru dengan tumpang tindih banyak lagu pada reel-to-reel tape recorder audio. Gaya musik tertentu ini menjadi populer di klub malam dan bar, disebut musik Dub, dan pada dasarnya adalah bentuk pertama EDM, bahkan sebelum Disco. https://www.americannamedaycalendar.com/

Kemudian, pada 1970-an, hal yang sama terjadi. Namun kali ini, seorang pria bernama Frankie Knuckles yang mencoba mencampurkan berbagai genre pada mixernya dalam upaya untuk menciptakan kembali suara dengan menyesuaikan kecepatan dan dengan menambahkan perkusi ke dalamnya. Jadi, musik House lahir. Dan saat itulah sifat adiktif EDM mulai menular ke seluruh dunia.

Dalam beberapa dekade ke depan, sejumlah besar genre EDM melanda dunia, memicu kebangkitan Musik Tari Elektronik yang meroket. Sekarang, EDM adalah entitas yang paling berkembang di lanskap musik saat ini, dan bisa dibilang di antara yang paling populer juga.

2. Musik Rock:

Berasal sebagai “Rock & Roll” di Amerika Serikat, musik Rock telah mengguncang dunia sejak 1950-an. Ini adalah bentuk musik yang dimulai sebenarnya di sekitar instrumen senar, tetapi sekarang menggunakan instrumen modern lainnya juga membuatnya sedikit sulit untuk memberikan definisi yang akurat.

Ketukannya yang keras dan kuat membuatnya populer di kalangan anak muda. Beberapa bintang rock yang telah mempopulerkan budaya termasuk Little Richard, Bill Haley dan Chuck Berry sementara band-band rock seperti Pink Floyd, The Doors, Metallica, Nirvana dan Megadeth adalah band-band modern yang telah mengambil budaya dengan badai.

3. Jazz:

Diidentifikasi dengan ayunan dan nada biru, Jazz berakar pada budaya Afrika Barat dan Eropa. Dikatakan bahwa Jazz adalah “Salah satu bentuk seni asli Amerika” dan menawarkan kombinasi kreativitas, koaksi, dan interaktivitas yang unik.

Berasal dari akhir abad 19 hingga awal abad 20, Jazz juga memainkan peran penting dalam memperkenalkan dunia kepada sejumlah pemain wanita seperti Ella Fitzgerald, Betty Carter, Abbey Lincoln dan Ethel Waters.

4. Dubstep:

Penggunaan instrumen yang menarik pecinta musik karena bass dan ritme, ini termasuk dalam genre musik elektronik. Orang-orang menganggapnya sebagai bentuk musik yang lebih gelap, tetapi sejak kelahirannya pada akhir 1990-an, genre ini telah berhasil masuk tempatnya di industri.

Dubstep rilis awal dimulai pada tahun 1998, dan dikembangkan dari sisi yang lebih gelap, lebih eksperimental dari garasi UK dengan penekanan yang kurang pada vokal, alih-alih mencoba untuk memasukkan elemen dub reggae, breakbeat dan drum dan bass. Pada tahun 2001, suara ini dan alunan musik garasi lainnya mulai dipamerkan dan dipromosikan di klub malam London Plastic People, pada malam “Forward” (kadang-kadang bergaya FWD >>),

dan di stasiun radio bajak laut Bilas FM, yang pergi untuk menjadi sangat berpengaruh terhadap pengembangan dubstep. Istilah “dubstep” yang mengacu pada genre musik mulai digunakan sekitar tahun 2002 oleh label-label seperti Big Apple, Amunisi, dan Tempa, di mana tren gaya waktu yang digunakan dalam membuat remix-remix ini mulai menjadi lebih terlihat dan berbeda dari 2-step and grime.

5. Rhythm and Blues:

Vokalis seperti Rihanna, Mariah Carey, Beyoncé, Usher dan Michael Jackson yang legendaris semuanya membuatnya menjadi besar di industri musik dengan kecintaan mereka terhadap bentuk musik ini.

Berasal pada tahun 1940-an, musik Afrika-Amerika ini merupakan kombinasi dari hip hop, funk, dance, pop dan soul yang berfokus pada tema-tema seperti hubungan, seks, dan kebebasan.

6. Techno:

Anda mungkin telah mendengarkan sejumlah musik techno saat clubbing, tetapi Detroit techno yang dianggap sebagai dasar dari bentuk musik ini.

Tidak seperti hari-hari kemunculannya, penggunaan teknologi saat ini telah sangat meningkatkan kualitas musik gaya techno dan mempopulerkannya di antara orang-orang dari hari ke hari.

7. Musik Country:

Genre populer lainnya dari musik Amerika yang berasal dari tahun 1920-an, musik Country berakar dari musik rakyat dan Barat Amerika. Itu dibentuk dengan menggunakan bentuk instrumen sederhana mulai dari gitar listrik dan baja untuk drum dan mandolin atau organ mulut.

Beberapa penyanyi musik country yang sangat populer termasuk Shania Twain, Johnny Cash Taylor Swift dan Kenny Rogers.

8. Electro:

Perpaduan sempurna antara hip hop dan musik elektronik, elektro atau elektro-funk menggunakan mesin drum, vocoder, dan talkbox yang membantu membedakan dirinya dari bentuk musik lain yang serupa, Disco.

Seniman terkenal yang telah menyukai bentuk musik ini termasuk Arthur Baker, Freeez, Man Parrish, dan Midnight Star.

9. Indie Rock:

Jatuh dalam genre musik rock alternatif, Indie Rock berasal pada 1980-an dan secara bertahap mengubah industri musik. Setelah satu dekade, ia juga melahirkan beberapa genre matahari dalam gaya terkait seperti matematika rock, emo, noise pop, post rock dan lo-fi.

Kadang-kadang digunakan secara bergantian dengan “gitar pop rock”, pada pertengahan 1980-an, istilah “indie” (atau “indie pop”) mulai digunakan untuk menggambarkan musik yang diproduksi pada label punk dan post-punk. Beberapa label rekaman indie rock terkemuka didirikan pada 1980-an. Selama 1990-an, band-band grunge masuk ke arus utama, dan istilah “alternatif” kehilangan makna kontra-budaya aslinya.

Istilah “indie rock” menjadi terkait dengan band dan genre yang tetap didedikasikan untuk status independen mereka. Pada akhir 1990-an, rock indie mengembangkan beberapa subgenre dan gaya terkait, termasuk lo-fi, noise pop, emo, slowcore, post-rock, dan matematika rock. Pada tahun 2000-an, perubahan dalam industri musik dan teknologi musik memungkinkan gelombang baru band-band indie rock untuk mencapai kesuksesan utama.

10. Musik Pop:

“Pop” adalah istilah yang berasal dari “Populer” dan karenanya Musik Pop dikenal sebagai genre musik populer. Dengan akarnya dalam gaya rock & roll, bentuk ini dapat mencakup segala bentuk musik mulai dari urban dan dance hingga rock, country dan Latin.

Instrumen yang sangat digunakan adalah gitar listrik, drum synthesizer serta bass dan orang dapat mendengarkan bentuk musik ini dengan mendengarkan lagu-lagu oleh Britney Spears, Madonna, Beyonce Lady Gaga dan tentu saja “Raja Pop”, Michael Jackson.

Emsnearmiss

Musik Brasil Samba, Perpaduan Yang Sangat Kuat

22 Feb2020

Musik Brasil Samba, Perpaduan Yang Sangat Kuat – Musik Brasil sangat beragam secara sosial dan berbaur dengan budaya seperti halnya rakyatnya. Namun, samba secara khusus telah muncul sebagai ekspresi budaya nasional. Kombinasi dari pengaruh musik dan budaya yang heterogen telah memungkinkannya untuk melambangkan keanekaragaman negara itu sendiri.

Samba diberlakukan secara paling spektakuler dalam perayaan Karnaval Brasil, yang telah menangkap imajinasi global dalam irama berdenyutnya, pesta pora yang meriah, performativitas ekstrovertnya, dan ekshibisinya yang mewah. Dalam konteks ‘Musik Dunia’, samba menawarkan perpaduan yang kuat antara ritme, tarian, dan tontonan. Di luar popularitasnya dalam rekaman dan pertunjukan, samba telah menjadi musik pokok yang populer untuk parade, prosesi, dan bahkan pawai protes di seluruh dunia. nexus slot

Budaya Musik

Sejarah musik tradisional di Brasil adalah salah satu garis kabur yang persisten: antara sakral dan profan; antara pedesaan dan perkotaan; antara Pribumi, Luso-hispanik dan Afrika; dan antara musik tradisional, seni, dan populer. Namun, interaksi antara beragam budaya dan sintesis dari praktik musik mereka yang berbeda inilah yang menghasilkan musik sinkretis, terutama samba, yang naik untuk mewujudkan Brasil modern. www.mrchensjackson.com

Pra-Campuran: Tradisi Pribumi, Luso-Hispanik dan Afrika

Secara historis, musik tradisional (pra-campuran) Brasil mencerminkan tiga kelompok etnis utama: musik dari penduduk asli; musik para pendatang dan penjajah Luso-Hispanik; dan musik para budak Afrika.

Misi Yesuit dan penjajahan Portugis mengakibatkan kehancuran banyak budaya asli. Dalam ‘pengurangan’ Jesuit dan barrios yang didirikan oleh para pemukim Portugis, budaya asli dianggap ‘buas’ dan karenanya penduduk asli menghadapi indoktrinasi dan penindasan budaya. Faktanya, musik Kristen dipekerjakan oleh para Yesuit sebagai alat pertobatan:

para imam menampilkan Catholicautos (drama moralitas) bagi penduduk pribumi dan mengajar para musisi pribumi untuk menyanyikan lagu-lagu Kristen dalam bahasa Latin dan Portugis dan bagaimana membuat dan memainkan dawai Eropa, tiupan kayu dan instrumen keyboard.

Terkesan oleh bakat mereka dalam musik dan kerajinan, para imam bahkan meminta musisi untuk menyanyi dan bermain untuk mobil mereka, yang, dengan pedih, mengintensifkan proses indoktrinasi lebih lanjut dan dengan demikian memperdalam kehilangan budaya asli.

Meskipun demikian, baik misionaris Yesuit maupun pemukim Portugal tidak bertindak dengan cara yang mengakibatkan penghancuran total masyarakat adat atau budaya mereka (tidak seperti di beberapa koloni Spanyol di Amerika Selatan dan Karibia) dan dengan demikian ada beberapa pengetahuan tentang sejarah asli praktik musikal.

Mempertahankan Tradisi Musik

Komunitas adat yang cukup besar masih mempertahankan tradisi musik mereka sendiri hingga saat ini, meskipun musik dari sebagian besar kelompok ini belum dipelajari secara sistematis. Tren umum meliputi dominasi lagu, penggunaan tarian kuratif, meriah dan perang, penggunaan beragam seruling dan kerincingan, serta signifikansi budaya musik dalam kehidupan sosial, ritual, dan spiritual.

Sebagai contoh, dalam budaya Suyya High Xingu, lagu dan ucapan sangat terkait, dan fitur bernyanyi tidak hanya dalam ngére (lagu) tetapi juga dalam sangére (doa spiritual), sarén (instruksi pendidikan) dan kepérni (pidato). Ngére memiliki penekanan terbesar pada kreativitas melodi, tetapi melodi yang dinyanyikan memiliki tempat penting dalam semua kegiatan budaya ini.

Dengan demikian, vokalitas lebih dari sentral dalam semua aspek utama kehidupan budaya, sosial dan spiritual Suyá; itu dianggap sebagai esensi keberadaan.

Kelompok pribumi lainnya bahkan mengembangkan fusi sinkretis dari praktik budaya asli dan Kristen. Tenaga kerja asli Tupinambá dari Brasil tengah, yang menghadapi lebih sedikit penindasan budaya karena kehadiran Gereja yang lebih lemah di barrios mereka, menyatukan brão (teka-teki) mereka,

dinyanyikan sebagai lagu kerja untuk kesenangan, pendidikan dan komunikasi, dan nyanyian sponsor mereka, ritme perkusif yang tetap pada Guncang-Guncang dan seruling dan melompat dan stamping koreografi tari ke dalam bentuk lagu Kristen. Ini menghasilkan tradisi sinkretik yang sangat penting tidak hanya karena ia selamat dari penanaman, tetapi juga karena ia terus memengaruhi tradisi Luso-hispanik dari para pemukim Portugis dan mestizotradisi selanjutnya di daerah tersebut, sehingga mempertahankan keberadaan pengaruh-pengaruh adat di kemudian hari di Brasil. bentuk musik.

Tradisi Luso-hispanik

Tradisi Luso-hispanik membuat rumah di Brasil di thebarrio dari pemukim Portugis awal. Barrios secara sosial dikelompokkan, dipimpin oleh pemilik tanah Portugis yang kaya, diikuti oleh pekerja Portugis yang miskin dan kemudian oleh pekerja pribumi yang diperbudak di bagian bawah (sebelum kedatangan budak Afrika). Buruh Portugis yang miskin membawakan lagu dan tarian tradisional mereka dan menyesuaikannya dengan kehidupan baru mereka di Vera Cruz.

Lagu-lagu menampilkan ciri-ciri khas musik Lusitan, termasuk pengajian seperti plainsong yang dinyanyikan bersamaan (dalam modalitas yang diturunkan dari Gregorian) atau melodi melodi yang dinyanyikan dalam duplas (paralel ketiga / keenam di mana dua suara dianggap sebagai satu dalam kesatuan); lompatan disjunct naik diikuti oleh gerak turun konjungt dengan nada suara diatonis;

struktur lagu simetris, quatrains strophic atau décimas dengan pergantian bait-refrain; tiga kali lipat (3/4) atau gabungan (6/8 atau 9/8) meter; ornamen vokal yang rumit; dan penggunaan instrumen dawai, terutama viola (varian kecapi Iberia kecil dengan lima dawai logam coursed ganda dalam berbagai ukuran dan penyetelan, jangan dikacaukan dengan instrumen dawai stapel klasik Barat dengan nama yang sama) untuk rasqueado (memetik) atau punteando (dipetik) pengiring).

Beberapa lagu memiliki makna budaya dan agama yang langsung, seperti lagu ritual siklus (misalnya lagu panen dinyanyikan untuk merayakan dan bersyukur atas panen berlimpah dan veloo (ratapan) untuk meratapi orang mati dan membantu mereka masuk surga) dan lagu ritual keagamaan (misalnya kelahiran) lagu yang dinyanyikan saat Natal untuk menceritakan kisah kelahiran dan merayakan kelahiran Kristus).

Yang lain terkait dengan pekerjaan (misalnya aboios (lagu penggembalaan ternak, dinyanyikan de roça (sebagai duet sponsor untuk membimbing kawanan di ladang) orde gado (sebagai lagu pengantar tidur solo untuk menenangkan sapi di kandang mereka)) atau rekreasi (misalnya narasi roman yang menyuarakan puisi puitis tradisional dan desfiado (‘tantangan’) yang melibatkan dua penyanyi yang bersaing dalam seni improvisasi tekstual dan melodi)

Mendirikan Irmandades

Religiositas lagu semakin meningkat ketika pasukan penjajah penuh tiba dan mendirikan irmandades (persaudaraan awam), yang memperkuat pengaruh Gereja Katolik Roma dan memprakarsai tradisi musik Katolik baru, seperti folias de reis (ansambel nyanyian polifonik yang bepergian dari rumah ke rumah untuk menyanyikan lagu-lagu embrionik (lagu) yang menceritakan kisah orang Majus dan mengumpulkan sumbangan untuk dikumpulkan uang untuk festival Dia de los Reyes (Day of the Three Kings) .

Tetapi, ada juga estetika musikal-spiritual yang unik bagi praktik-praktik ini, kemungkinan besar karena volume musisi pribumi (seperti halnya dengan mobil Jesuit), yang mengarah pada penataan kembali orang-orang kudus dan tokoh-tokoh agama legendaris lainnya sebagai pencinta musik dan tari.

Misalnya, dalam folias de reis, orang Majus sendiri digambarkan sebagai musisi yang menerima instrumen sakral (viola, adufe (drum bingkai) dan caixa (drum snare drum Brasil)) dari Perawan Maria dan yang, sejajar dengan kelompok itu sendiri , menyebarkan berita kelahiran Yesus melalui lagu; dan katering (lihat di bawah) dan musiknya digunakan dalam ritual untuk menghormati Santo Gonçalo dari Amarante, seorang pemain biola yang terkenal karena tampil untuk pelacur dengan musik dan tarian yang menginspirasi sehingga ia mengubah mereka dari kehidupan dosa.

Tarian Luso-Hispanik, di sisi lain, pada dasarnya adalah rekreasi. Pemilik tanah yang kaya bergiliran sebagai festeiro (tuan rumah) untuk mengenakan mutirão (pesta dansa komunal) untuk pekerja di daerah setempat, di mana mereka akan berpartisipasi dalam tarian kelompok tradisional.

Tarian yang paling menonjol adalah cateretê, tarian garis ganda yang menyatukan unsur-unsur Luso-hispanik dan pribumi dalam lagu naratifnya, iringan rasqueadringring, iringan perkusi idiofonik asli (misalnya guaiá (pengocok), afoxé (rattle), dan rêco rêco (pengikis) ) dan koreografi escova hibrida (kuas) (lingkaran Luso-hispanik menari dengan kekhasan adat misalnya melompat dan menginjak-injak).

Pemilik tanah mendukung perayaan Karnaval untuk pekerja tani dan mestizo / mulatto mereka, dengan topeng musik di mana perbedaan kelas normal dibubarkan sebagai orang kaya akan berpakaian seperti orang biasa dan orang miskin akan melakukan lagu prosesi dan kinerja instrumental yang berpakaian bangsawan.

Perayaan Karnaval

Faktanya, perayaan Karnaval menjadi masalah kompetitif bagi pemilik tanah, simbol kebajikan mereka terhadap tenaga kerja yang membuat mereka bangga dan gengsi atas rekan-rekan mereka dan, dalam konteks kekurangan tenaga kerja, cara menarik pekerja ke perkebunan mereka. Akibatnya, proses Karnaval ini meningkat menjadi kacamata yang semakin rumit dan, bahkan saat ini, mulai menjadi terkenal di seluruh dunia Barat yang berkembang.

Namun, ‘tarian dramatis’ Luso-hispanik dengan tujuan kebaktian khusus juga umum, seperti baile pastoril (drama tarian rakyat Natal yang memerankan kembali kisah kelahiran) dan cheganca (drama tari yang melambangkan perjuangan antara orang Kristen dan Moor menampilkan nyanyian embaixadas (proklamasi) antara ibukota (kapten), ajudante (ajudan) dan resposta (responden) untuk memimpin pertempuran pedang tiruan oleh prajurit (tentara) ke musik perkusi yang keras).

Ketika budak hitam dipindahkan ke koloni Portugis untuk bekerja di perkebunan kopi, mereka membawa serta tradisi Afrika (terutama Bantu, Yoruba dan Kongo) yang mereka bawa. Melalui konversi paksa dan adaptasi budaya, tradisi mereka dengan cepat disinkronkan menjadi lagu dan tarian Afro-Brasil yang berbeda.

Variasi Ibadah

Candomblé (sekte-sekte spiritual yang diturunkan dari Afrika) sangat luas dan beragam, tetapi kebanyakan variasi ibadah orixa (‘kekuatan’; dewa roh) dan praktik-praktik kebaktian yang umum termasuk nyanyian pentatonik yang saling mensponsori secara monofonik, ritme drum yang ritmik dan saling terkait (seringkali atabaques (tangan tinggi) -struck barrel drum), agogo (metal cowbell) dan mainan kerincingan) dan penggunaan ritme dan nyanyian khusus untuk ‘memanggil’ orixas untuk ‘memiliki’ media untuk upacara kepemilikan roh.

Dengan pengecualian fungsional tertentu (mis. Lagu-lagu pekerjaan pertanian dan tarian tongkat-tongkat yang berbasis seni bela diri seperti capoeira dan maculelê), musik sosial dan rekreasi menampilkan lagu, tarian dan drum dalam kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Tarian yang paling umum (yang memiliki beragam nama dan variasi berbeda) termasuk batuque dan côco.

Yang dominan di tengah dan selatan, batuque, yang dengan berbagai pengaruh Angol dan Kongo, ditarikan dalam posisi umbigada (dari bahasa Portugis, ‘pusar’; pasangan menari dengan pusar menyentuh), dan sebagian besar tarian bait mengatur pola-pola berdampingan satu sama lain dalam satu berbaris sementara beberapa pasangan solo berimprovisasi lebih banyak gerakan virtuoso.

Fitur – Fitur Ritme

Nyanyian ini terdiri dari syair improvisasi dan refrain responsorial yang berfokus pada gosip komunitas atau ejekan suara, komentar dan tantangan sementara drum menampilkan irama yang saling terkait perkusi dari tambu (drum berkepala satu silinder besar), quinjengue (drum berkepala satu silinder kecil) dan kerincingan (mis. matraca).

Di utara, fitur-fitur ritme abadi (semiquavers konstan dalam 2/4 meter), dikelola oleh tepukan tangan bertepuk tangan (meniru suara batok kelapa) dan kadang-kadang diselingi oleh drum atau bergetar. Ini membentuk dasar untuk ‘permainan dansa’ lingkaran, di mana solois memasuki lingkaran peserta yang bergerak untuk berimprovisasi gerakan tarian virtuoso dan menyanyikan seruan improvisasi yang mendapat tanggapan dinyanyikan dari lingkaran,

dengan tautan refrain dinyanyikan oleh seluruh lingkaran ketika solois keluar sampai seorang solois baru masuk.

Emsnearmiss

Musik Indonesia Gamelan, Budaya Indonesia Yang Langka

22 Feb2020

Musik Indonesia Gamelan – Musik Indonesia dianggap relatif tidak terdengar jelas bagi pendengar Barat, jauh dalam geografi tetapi juga dalam estetika musik dan budaya. Meskipun demikian, gamelan, yang merujuk pada berbagai jenis orkestra Indonesia dan berbagai tradisi dan genre yang dimainkan orkestra, telah menjadi semakin lazim di sirkuit-sirkuit Musik Dunia.

Sementara ketidakpahaman kadang-kadang menurunkan kompleksitas dan kerumitannya yang luar biasa ke eksotisme Orientalis. Gamelan menawarkan proyeksi langka budaya Indonesia yang telah dihormati banyak orang. slot

Tradisi Kepulauan

Dengan cakupannya yang luas dalam hal orang dan bahasa, mungkin tidak mengherankan bahwa Indonesia sangat beragam secara budaya dan musik. Mengingat bahwa pulau-pulau yang terfragmentasi hanya menjadi wilayah kohesif selama abad terakhir, gagasan terpadu tentang ‘budaya Indonesia’ atau ‘musik Indonesia’ sendiri agak kontroversial, dan diselimuti lebih jauh oleh berbagai pengaruh asing yang berbeda pada pulau-pulau yang berasal dari posisinya yang sudah lama sebagai perhubungan perdagangan global. https://www.mrchensjackson.com/

Memang, pemerintah telah berupaya untuk menumbuhkan tradisi musik nasional untuk mewujudkan slogan Bhinnéka Tunggal Ika (‘Persatuan dalam Keragaman’) dan tradisi-tradisi tertentu telah menjadi sangat sukses dalam konteks etnomusikologi dan kemudian ‘Musik Dunia’ (terutama gamelan Jawa dan Bali) ,

tetapi kenyataannya adalah bahwa musik tradisional Indonesia sangat beragam tidak hanya dalam penggunaan bahasa yang berbeda tetapi juga dalam hal bahasa musik mereka yang sangat, dunia musik estetika mereka dan tujuan budaya mereka. Dengan demikian, beberapa generalisasi dapat dibuat tentang seluruh negara dan, dengan demikian, cara yang lebih disukai untuk mendekati, dan untuk mulai menghargai,

tradisi musik yang luas ini adalah untuk memeriksa mereka secara selektif dengan berfokus pada bentuk tradisional tertentu, walaupun dengan pengakuan dari bagaimana hal ini cocok dengan tren budaya regional (terutama Bali, Jawa Tengah, Jawa Timur, Jawa Barat, Lombok, Sumatra, dan Pulau-Pulau Luar) dan strata sejarah (Pribumi, Hindu, Islam, Eropa, dan pasca-Eropa). Sejalan dengan pendekatan ini, artikel ini akan berfokus terutama pada tradisi gamelan.

Gamelan: Orkestra Orkestra & Gaya Musik

Gamelan (diduga berasal dari kata Jawa rendah gamel, ‘to hammer’) mengacu pada ansambel orkestra berbasis gong dan gaya musik yang terkait dengan ansambel tersebut. Biasanya, gaya gamelan sangat beragam dan orkestra gamelan sendiri berbeda dalam ukurannya. Penyetelan, nada, instrumen dan kombinasi sejauh masing-masing gamelan merupakan set yang unik.

Akibatnya, instrumen tidak pernah bertukar antara ansambel dan ansambel yang berbeda dapat terdengar sangat berbeda satu sama lain. Namun, terlepas dari ini, semua gamelan terdiri dari tiga kelompok instrumental inti: perkusi tuned melodik (metalofon dan gong ketel yang lebih kecil dipukul dengan palu), perkusi yang disetel struktural (ketel-gong yang lebih besar dan gong gantung yang dipukul dengan palu)

dan perkusi tanpa irama ritme (membranofon melanda) dengan tangan atau tongkat), meskipun mereka sering juga memasukkan instrumen melodi lainnya.

Dengan demikian, gamelan dalam tradisi Jawa Tengah biasanya mencakup beberapa kombinasi dari: jenis kelamin (metalofon kunci perunggu tipis yang tergantung di atas tabung resonator dalam tiga ukuran: slenthem (besar), barung (sedang) dan panerus (kecil)); saron (metalofon dari kunci perunggu tebal tergantung di atas resonator kayu dalam tiga ukuran: demun g (besar), barung (sedang) dan peking (kecil));

bonang (rak kayu dari ketel-gong kecil dengan berbagai ukuran); kenong (rak kayu dari ketel-gong yang lebih besar dengan berbagai ukuran); kempul (rak kayu dari gong gantung kecil); suwukan (gong gantung sedang); gong ageng (gong gantung masif); dan kendhang (drum laras berkepala dua yang dipukul dengan tangan dalam berbagai ukuran) dan bedhung (drum laras berkepala dua yang dipukul dengan tongkat dalam berbagai ukuran);

serta sering menampilkan instrumentalis tambahan untuk pertunjukan seperti suling (seruling bambu yang menusuk), rebab (biola kayu tipis berbentuk hati dua-tali), gambang (gambang dengan kunci kayu tipis tergantung di atas resonator kayu), siter (a kecapi kecil yang dipetik), perkusi idiofonik (misalnya simbal) dan / atau penyanyi (biasanya gerong (paduan suara pria) atau sinden (penyanyi wanita solo)).

Gamelan adalah tradisi lisan di mana komposisi dibuat untuk masyarakat dan di mana komposisi dan teknik musik tersebut ditransmisikan secara lisan, dipelajari dan diinternalisasi secara aurial dan dilakukan dari memori. Terlepas dari keragaman gaya di seluruh pulau, gamelan mencakup sistem kesatuan estetika musikal dengan prinsip struktural umum untuk komposisi dan pertunjukan.

Prinsip-prinsip estetika yang kompleks ini (dengan istilah-istilah seperti yang muncul dalam tradisi Jawa Tengah) meliputi tala slendroand pelong, modalitas jalur, melodi balungang, struktur kolotomik, dan teksturirama.

Slendro dan pelong merujuk pada dua sistem tuning yang digunakan dalam gamelan Jawa Tengah: yang pertama adalah skala pentatonik dari lima nada dengan interval kenaikan kira-kira berjarak sekitar 1 ½ terpisah secara terpisah (yaitu dengan asumsi mulai pada C, kira-kira: C, D +, F-; G (ish), A +); dan yang terakhir adalah skala heptatonik dari tujuh nada dengan interval yang bervariasi (mis. mengasumsikannya dimulai pada C, kira-kira: C, Db +, E-, F # -, G +, Ab, B +).

Yang penting, skema ini hanya berfungsi sebagai panduan kasar, dan masing-masing ensemble benar-benar membentuk penyetelan unik mereka sendiri. Selain itu, jika seorang gamelan memainkan komposisi dalam kedua slendroand pelong, ia membutuhkan dua set instrumen yang sama (satu set disetel untuk slendroand yang lainnya untuk pelong).

Pathet (‘suasana hati’) adalah sistem modal yang mengatur penekanan dan kontur melodi, pola kadensial, karakteristik ‘suasana hati’ dan bahkan fungsi budaya. Ada enam pathet inti, tiga untuk slendro dan tiga untuk pelong. Meskipun sering dibandingkan dengan raga India, pathet bukanlah kerangka kerja estetika untuk komposisi / penampilan spontan tetapi, lebih tepatnya, garis besar modal yang datang dengan ratusan gendhing (siklus tradisional terkomposisi).

Gendhing ini masing-masing berisi balungang (melodi fundamental pendek). Balungang tidak hanya menyediakan melodi dasar dari suatu kinerja komposisi tetapi juga menetapkan gatra (meter), yang ditentukan oleh panjang gongan (satu siklus penuh melodi fundamental).

Semua instrumen lain dalam gamelan memberikan ‘tanda baca’ melodi dan ritmis ‘atau’ elaborasi ‘dari balungang ini, dengan’ tanda baca ‘yang diuraikan oleh hubungan colotomic dengan balungang dan’ penjabaran ‘heterofonik yang ditentukan oleh irama (kepadatan teks).

Hubungan kolotomik mengacu pada cara di mana gelan dapat dikonseptualisasikan dalam hal siklus metrik (dan melodi dan ritmik) dari siklus gongan keseluruhan: gongan melengkungkan siklus sepeda lengkap dan dimainkan oleh gong ageng; setengah dan / atau unit seperempat tanda baca dari siklus balungang penuh dan dimainkan oleh gong gantung lainnya dan kenong;

balungang sendiri dimainkan oleh gender slenthem dan saron demung dan saron barung; dan divisi yang lebih kecil dan lebih kecil menguraikan balungang dan dimainkan oleh saron lainnya, bonang dan instrumen melodi tambahan lainnya.

Dalam konteks ini, theirama berbicara kepada ruang lingkup ‘elaborasi’ ini: misalnya, irama tangung, hanya menampilkan 2 catatan elaborasi pada saron peking untuk setiap 1 balungang, dan dengan demikian cenderung digunakan untuk balungangor yang lebih cepat untuk membuat tekstur yang jarang, sedangkan irama rangkep, menampilkan 16 nota elaborasi untuk setiap 1 not balungang,

dan umumnya digunakan untuk melodi yang lebih lambat atau untuk membuat tekstur permukaan yang lebih sibuk. Isi melodi dari elaborasi ini terdiri dari variasi heterogen yang beragam pada balungang, berdasarkan pada gagasan garapan (bahwa seluruh gamelan sedang ‘mengerjakan’ berbagai bentuk balungang dengan memainkannya, memberi tanda baca atau mengelaborasikannya melalui kerangka pathet).

Cara model-model instrumental dan kerangka kerja gaya ini didiversifikasi pada tingkat regional dicontohkan oleh perbedaan antara gamelan gaya-Solonia (Jawa Tengah), gamelan gaya-Yogi (Jawa Selatan), Aram-stylegamelan (Jawa Timur) dan Gamelan gaya Bali (Bali).

Dengan gagasan estetika alus (‘penyempurnaan’), gamelan gaya Solonese cenderung menggunakan balungang kompleks, dengan improvisasi yang rumit, luas dan canggih, dan dilakukan dengan praktik kinerja keseluruhan yang halus, lembut, dan elegan. Sebaliknya, gamelan gaya-Yogya yang lebih kuno, biasanya menggunakan balungang yang lebih pendek, diperluas dengan cara tradisional yang ketat dengan irama yang lebih keras dan gaya penampilan yang lebih bersahaja, dalam pelayanan konsep gagah mereka (‘kekuatan’).

Gamelan gaya Arèk, mengejar kasar (‘kekasaran’), mempekerjakan balungang cepat, diperluas dengan nada-nada yang tajam dan keras, ritme yang tersinkronisasi dan elaborasi ritme yang rumit (mis. Antisipasi, melewati pola ritmik yang rumit melalui berbagai tingkatan).

Akhirnya, gamelan gaya Bali sangat berbeda dari yang lain karena, meskipun berbagi instrumen inti dan prinsip-prinsip struktural yang sama, ia menempatkan jauh lebih sedikit penekanan pada pathet dan iramaand, sebaliknya, lebih berfokus pada hubungan kolotomik itu sendiri,

sehingga cepat dan dinamis melodi / ritme yang saling terkait yang disambar menggunakan warna nada yang cerah dan eksplosif (misalnya palu mereka tidak empuk dan mereka jauh lebih banyak menggunakan gong dan idiophone yang lebih kecil) dan fisik yang tinggi dalam praktik kinerjanya.

Emsnearmiss

Musik Yang Berada di Awal Republik Amerika

22 Feb2020

Musik Yang Berada di Awal Republik Amerika – Selama awal bangsa, hampir semua orang mendengar dan membuat musik. Di zaman sebelum hiburan komersial yang dapat diakses secara luas, di mana pekerjaan rutin seseorang memohon bantuan dengan menggunakan nyanyian dan tarian memeriahkan kebosanan kehidupan.

Musik

Musik mengisi ceruk sosial yang penting di dunia do-it-yourself di Amerika awal. Selama era sebelum ada perangkat untuk merekam, kehidupan fana suara bergema hanya di sekitar mereka yang membuatnya. Musik Amerika awalnya membentuk komunitas pendengar sesaat yang dapat membuat atau melampaui tatanan sosial bangsa muda yang sedang dibentuk ulang. slot online

Menggambarkan dunia musik Amerika awal ini menantang sejarawan mana pun. Karena hampir semua orang membuat musik dan karena musik dapat digunakan dalam berbagai cara, variasi geser suara dan situs kinerja menghalangi generalisasi yang mudah.

Musik menyatukan tatanan sosial, tetapi mungkin juga digunakan untuk menantang status quo. Orang-orang bernyanyi secara pribadi untuk menenangkan kesedihan mereka dan di depan umum untuk merayakan acara yang menggembirakan. Lagu mungkin membangkitkan kekuatan suci untuk membantu seseorang; itu mungkin juga mewujudkan keinginan-keinginan profan dan menemani perilaku-perilaku yang tidak baik. www.benchwarmerscoffee.com

Lonceng berbunyi untuk menandai musim dan memanggil komunitas untuk mempersenjatai diri. Musik bahkan mungkin dapat menjadi mata pencaharian seseorang. Ketajaman musik dan melek huruf memberikan status elit terdidik. Sementara rakyat biasa menggunakan musik untuk mengekspresikan sama sebagai identitas yang bermakna. Dalam semua hal ini, musik melambangkan, mengekspresikan, dan melampaui keragaman di Amerika awal.

Musik Asli Amerika

Gaya musik asli Amerika pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19 tetap beragam seperti halnya komunitas suku. Meskipun demikian, beberapa generalisasi luas dapat dibuat jika dibandingkan dengan suara non-asli dan penggunaan musik.

Bernyanyi daripada pertunjukan instrumental membumikan pembuatan musik asli, meskipun drum dan instrumen perkusi lainnya mengiringi banyak lagu, seperti halnya seruling dan peluit di daerah tertentu. Lagu-lagu pribumi hampir selalu terhubung dengan spiritualitas bahkan jika dibuat-buat karena alasan lain, dan kemanjuran ritual mungkin membutuhkan lagu yang tepat untuk dinyanyikan.

Namun seperti pembuat musik di seluruh dunia, karya-karya tertentu mengiringi penari, pendongeng, atau bahkan permainan. Lagu-lagu tertentu akan digunakan untuk acara seremonial atau musiman tertentu dengan cara tradisional dan inovatif. Dengan meningkatnya kedatangan pendatang baru ke benua itu, orang-orang suku mengadopsi dan mengadaptasi instrumen Eropa, seperti biola, untuk praktik pembuatan musik asli.

Selanjutnya

Rekaman yang disimpan oleh misionaris Spanyol di California dan New Mexico mengungkapkan pentingnya musik bagi upaya pertobatan mereka. Para imam ini menggunakan kefasihan dengan musik dan instrumen Eropa untuk mengukur tingkat asimilasi, ukuran penting dalam upaya mereka menuju konversi yang lengkap dan permanen.

Namun bahkan setelah mengintegrasikan aspek-aspek musik Eropa, ke penduduk asli Amerika, sebagai salah satu catatan sarjana musik Ojibwa, “lagu-lagu pada dasarnya melakukan hal-hal di dunia.” Dengan demikian, penduduk asli mengategorikan lagu berdasarkan kegunaannya, misalnya lagu cinta, lagu impian, atau lagu pipa.

Lagu-lagu juga memediasi ikatan pribadi dan berfungsi sebagai bagian dari protokol upacara. Musik membangun dan menstabilkan hubungan dalam suatu suku, antar suku, dan antara masyarakat suku dan non-suku. Musik asli Amerika memfasilitasi interaksi, termasuk antara dunia manusia dan spiritual.

Musik Suci

Musik yang ditampilkan dalam konteks perayaan suci juga penting bagi orang-orang Afrika. Menjelang pergantian abad kesembilan belas, nyanyian-nyanyian Gereja-Gereja Kongregasionalis telah bergeser dari ritual ke seni dengan sistem dukungan penuh paduan suara gereja, master bernyanyi, mazmur yang diterbitkan, dan sekolah menyanyi.

Komposer terbitan kulit hitam Amerika pertama yang diketahui, mantan budak kelahiran Afrika, Newport Gardner dari Rhode Island, muncul dari gerakan sekolah menyanyi ini. Pada tahun 1810, lebih dari 5000 komposisi musik oleh pemazmur Amerika telah muncul di media cetak, termasuk koleksi himne 1801 karya Richard Allen untuk Gereja Episkopal Metodis Philadelphia-nya di Afrika, kompilasi musik sakral pertama yang dikenal untuk jemaat kulit hitam.

Pada tahun 1820-an, masyarakat bernyanyi yang dipengaruhi oleh Romantisisme Jerman, seperti Boston Handel dan Haydn Society, melekatkan peningkatan moral pada gaya lagu tertentu. Musik sakral yang didukung secara kelembagaan seperti itu bersaing dengan budaya musik yang dimeriahkan oleh Kebangkitan Hebat Kedua. Gaya-gaya ini mengharuskan aksesibilitas dan ekspresi individu sebagai bagian dari religiusitas revivalis.

Kurangnya melek musik di daerah pedesaan dari kebangunan rohani menyebabkan pola-pola lagu panggilan dan respons serta nyanyian “yang ditandai oleh spontanitas, kedekatan, emosi, dan penggunaan lagu-lagu yang terkenal.” Tren ini tetap berlaku di antara jemaat kota kulit hitam juga, di mana tindakan vokalisasi dapat menginspirasi umat bahkan lebih dari lirik lagu.

Pesan sentral dari gaya musik sakral ini memohon daya tarik mendasar dari ideologi Kebangkitan Besar: rahmat Tuhan tersedia bagi semua orang.

Liburan

Seringkali sehubungan dengan tujuan keagamaan, orang Amerika mendengar peningkatan dalam pembuatan musik selama liburan. Di komunitas pertanian terutama, awal musim dingin adalah waktu untuk merayakan setelah musim panen yang menuntut. Tradisi Inggris sedang berlayar, di mana orang-orang rendahan masuk ke rumah-rumah dari tuntunan nyanyian orang kaya untuk makanan dan minuman dengan imbalan niat baik, berlanjut di awal Amerika.

Meskipun kurang berarti pada abad ke-19 dengan runtuhnya hierarki dan kewajiban tradisional yang lebih tua, para penyanyi gaduh, pemabuk, diarak di malam hari selama musim Natal bahkan di daerah perkotaan. Minum dan menyanyi tetap terjalin sebagai praktik liburan yang signifikan. Ritual John Canoe diberlakukan selama musim Natal oleh orang Afrika-Amerika termasuk nyanyian dan tarian umum.

Dalam film-film ini, sekelompok musisi yang berparade meminta hadiah makanan, uang, atau alkohol, membawa budaya lagu dan tarian yang diturunkan dari Afrika ke komunitas yang lebih luas di antara mereka yang tinggal. Parade tetap menjadi pusat kegiatan musik publik kulit hitam yang “biasanya menampilkan musik riuh, improvisasi, dan interaksi bolak-balik antara penonton pria dan wanita dan pemain parade.”

Pesan dapat dinyanyikan dalam konteks ritual ini yang tidak diucapkan dalam keadaan lain. Terselubung dalam pakaian tradisional liburan, mengejek orang yang kuat atau “menyanyikan master,” memberdayakan yang diperbudak untuk mengekspresikan perasaan yang dilarang.

Musik yang Diperbudak

Sebagai sarjana musik Jacqueline Cogdell Djedje menyatakan musik Afrika-Amerika, “di satu sisi sangat sedikit menghilang, tetapi juga tidak ada yang tetap sama.” Pada masa republik Amerika awal, musik yang dibuat oleh orang kulit hitam Amerika jelas merupakan musik Afrika, tetapi juga bisa berbeda dari apa pun yang didengar di benua itu.

Faktor-faktor yang membentuk sifat musik yang berasal dari Afrika di Amerika awal sebagian besar bergantung pada paparan pembuat musik terhadap suara-suara penduduk Amerika yang beragam. Orang-orang Afrika Barat dan Tengah membuat musik yang beraneka ragam seperti orang-orang Eropa di antara mereka yang diperbudak pada akhirnya akan tinggal di Amerika.

Mereka membawa harapan musik lokal mereka ke rumah baru mereka di seberang Atlantik, di mana mereka mengakses repertoar multi-benua. Mereka dan keturunan mereka dibangun di atas warisan musik yang dalam dan luas.

Selama era ini, beragam lagu, tarian, instrumen Afrika, serta ritual dan festival, tetap signifikan untuk memperbudak dan membebaskan populasi kulit hitam. Alun-alun Kongo di New Orleans, tempat yang penting bagi kelangsungan hidup dan penyebaran tradisi performatif yang diturunkan dari Afrika, bertahan sebagai situs di mana para budak dari kota dapat bersosialisasi pada hari Minggu sore.

Di sini mereka bernyanyi dan menari dengan gaya dari tradisi tanah air yang berbeda yang memberikan tidak hanya hiburan, tetapi juga koneksi ke warisan seseorang. Beberapa budak Katolik Kongo melakukan sangamentos, tarian perang tiruan yang sangat koreografi disertai dengan drum dan lonceng yang penting untuk praktik Mardi Gras di kemudian hari.

Bukti Tradisi Di Amerika

Kebiasaan diasporik ini menggabungkan tradisionalisme dan kemampuan beradaptasi lebih “inventif” daripada “diciptakan,” bukti tradisi Afrika berlanjut di Amerika. Kegigihan praktik seperti sangamentos mengikat komunitas-komunitas baru bersama-sama dan menyediakan makanan budaya dalam situasi perbudakan yang baru dan keras.

Kehidupan budak dipenuhi dengan tenaga kerja. Para pedagang mungkin berharap bahwa para budak akan bernyanyi dan bahkan bermain biak sambil berbaris di peti mati dirantai ke perkebunan barat yang sedang tumbuh. Song mengorganisir tugas-tugas yang teratur dan meringankan beban kerja keras. Gaya panggilan dan respons membantu membangun dan memperkuat komunitas.

Lagu-lagu tertentu mungkin cocok untuk kegiatan kerja tertentu, seperti mendayung, mencangkul, atau mengupas jagung. Lagu kerja memperkuat ikatan sosial dan hierarki, meskipun lirik mungkin menantang ini dengan retorika satiris. Musisi yang diperbudak harus menguasai banyak genre saat mereka tampil untuk cotillions formal masyarakat kulit putih elit dan jig yang lebih hidup, kerusakan, dan gulungan populer dengan penari putih dan hitam kelas bawah.

Musik dan tarian hitam menekankan improvisasi, ritme yang kompleks, dialog artis / audiens, serta kompetisi gaya pribadi dalam konteks yang disetujui masyarakat. Cara-cara musik yang berasal dari Afrika ini memperoleh kepedihan di bawah perbudakan. Mereka bahkan dapat berfungsi sebagai pernyataan politik untuk orang-orang yang menyangkal suara politik yang disetujui secara resmi.

Seni Musik

Pada tahun-tahun awal abad ini, tidak ada gaya atau genre musik yang disediakan untuk kelas orang tertentu. Ruang konser menyambut semua pertunjukan mereka, meskipun elit tetap dipisahkan dalam kotak dari kekacauan lubang. Musik konser telah ada di pusat-pusat kota Pesisir Timur selama satu abad ketika pada tahun 1830-an pelanggan kaya dibiayai melalui berlangganan orkestra profesional pertama.

Karena tidak memiliki tradisi aristokratik pengadilan dan perlindungan gereja, “industri” musik Amerika awal harus berfungsi sebagai bisnis yang dibiayai secara lokal. New Orleans adalah kota Amerika pertama yang mendukung perusahaan opera. Opera Prancis telah dilakukan di kota dari setidaknya 1796. Satu dekade kemudian, dalam rentang empat bulan, Orleanians Baru dapat menyaksikan dua puluh satu pertunjukan, yang mencakup enam belas opera yang berbeda dari sembilan komposer.

Kota ini hanya terdiri dari 12.000, sepertiga dari mereka yang diperbudak dan yang menghadiri pertunjukan dengan tiket diskon, jelas menghargai dan berinvestasi dalam pertunjukan musik publik. Suatu malam mendengarkan opera sering berakhir dengan menari di sebuah bola. Meskipun sebagian besar tarian ini dipisahkan oleh ras, pihak berwenang hanya bisa menegakkan aturan ini dengan keberhasilan terbatas.

Dari tahun 1790-an hingga 1830-an, jumlah pertunjukan teater dan konser meningkat, meskipun tidak sampai tahun 1840-an Amerika Serikat mengembangkan infrastruktur yang diperlukan untuk mendukung seni pertunjukan secara luas. Musisi imigran merupakan mayoritas dari para profesional ini dan biasanya menampilkan karya-karya Eropa dari kanon tradisional Eropa.

Namun dalam pengaturan yang sama ini, audiens menuntut karya patriotik. Band-band yang dibentuk dari musisi-musisi militer yang dipecat menghormati keinginan-keinginan semacam itu. Sebagian besar kota mendukung setidaknya satu band pada awal abad ke-19 yang anggotanya bermain di jalanan sesering di aula konser. Komposer Afrika-Amerika yang sangat populer, Frank Johnson, memimpin band-band militer dan orkestra tari di aula konser Philadelphia dan kota-kota di Eropa.

Asumsi – Asumsi

Asumsi-asumsi demokratis tentang pengalaman dengan musik ini berubah pada pertengahan abad dengan semakin meningkatnya rasa moral yang melekat pada jenis musik tertentu. Akibatnya, musisi berubah dari pengrajin menjadi seniman. Menjelang tahun 1840-an, para elit semakin menarik diri ke dalam pertunjukan yang disediakan semata-mata untuk kesenangan mereka sendiri (seperti opera Italia yang ditampilkan dalam bahasa aslinya).

Blackface minstrelsy, yang mengadopsi dan memparodikan musik seni yang sekarang terpisah ini, mengisi kekosongan pertunjukan musik yang tersedia untuk umum.

Lead kendhangand / atau bedhung drummer mengarahkan tempo dan suasana hati komposisi dan menusuk kerangka metrik, menandakan perubahan struktural dalam musik, meskipun mereka juga menguraikan dengan sinkronisasi beraksen (terutama 3-3-2; X..X..X .). Akhirnya, pertunjukan gendhing sering membawa instrumen tambahan, yang semuanya berfungsi dalam berbagai cara sebagai penjabaran:

suling, dengan timbre yang keras dan tajam, cenderung secara heterogen menyuarakan balungan; gambang dan siter mengimprovisasi pola staccato cepat berdasarkan balungan; rebab memainkan motif improvisasi dan ornamen yang sangat ekspresif sebagai tandingan balungan; dan gerong, menggambar pada cerita-cerita rakyat atau puisi,

terutama menyanyikan countermelodies pra-komposisi atas tekstur gamelan sementara sinden, dalam cara yang mirip dengan rebab, terlibat dalam peran elaborasi dengan improvisasi vokalisasi melismatik gratis dan lirik tinggi yang meluncur di atas pulsasi dari gamelan.

Emsnearmiss

Boyband Asal Korea Ini Yang Mengubah Musik K-Pop

22 Feb2020

Boyband Asal Korea Ini Yang Mengubah Musik K-Pop – Jalur BTS menuju superstardom sebagian dikarenakan oleh budaya Korea Selatan ke Barat, dari musik ke drama televisi hingga rutinitas perawatan kulit yang rumit. Sebelum BTS, ada juga berbagai grup K-pop top (Big Bang, Girls ‘Generation, EXO) telah membuat debut di Amerika Serikat.

Pada tahun 2019, BTS dilaporkan menghasilkan $ 4,65 miliar untuk ekonomi Korea Selatan melalui penjualan album fisik, tiket konser, dan barang dagangan bermerek. Band ini saat ini bernilai 0,3 persen dari produk domestik bruto negara itu dan diproyeksikan menyumbang $ 48 miliar untuk Korea Selatan pada tahun 2023. Menurut laporan dari Hyundai Research Institute. Angka-angka mengejutkan ini menyoroti bagaimana pengaruh BTS adalah tour de force abad ke-21, sesuatu yang hanya bisa dicapai oleh beberapa artis pop Barat hari ini. premium303

Pada intinya, industri musik didorong oleh aktivitas penggemar, uang mengalir ke pertunjukan langsung, penjualan album, dan barang dagangan resmi untuk mendorong artis yang baru muncul ke tangga musik, apakah itu Billboard Hot 100 Amerika Serikat atau Gaon Music Chart Korea Selatan. Untuk memahami skala keberhasilan BTS di antara K-pop dan artis Barat lainnya, Anda harus mempelajari dan memahami industri hiburan Korea. https://www.benchwarmerscoffee.com/

Sementara label rekaman, perusahaan manajemen artis, dan agen bakat beroperasi sebagai entitas terpisah di Amerika, perusahaan hiburan Korea adalah konfigurasi ketiganya. “Perusahaan musik K-pop teratas adalah perusahaan hybrid, sangat terintegrasi, penuh ‘teknologi budaya’,” kata Bernie Cho, presiden DFSB Kollective, agensi yang berbasis di Seoul yang berspesialisasi dalam mendistribusikan musik Korea.

Ini paling baik tercermin melalui sistem pelatihan intensif K-pop, di mana calon bintang direkrut melalui audisi dan dilatih selama bertahun-tahun dalam pelatihan kinerja yang ketat. Studio musik biasanya bertanggung jawab atas pembentukan grup, pemasaran dan musik mereka, dan bahkan kehidupan pribadi mereka. Sementara anggota BTS direkrut melalui sistem ini. Label manajemen mereka, Big Hit Entertainment, mengambil pendekatan yang berbeda, menempatkan lebih sedikit pembatasan pada mereka. CEO BigHit, Bang Si-hyuk membayangkan anak-anak itu sebagai sosok yang relatable dan bersahaja yang dapat dihubungkan dengan para penggemar.

Dibandingkan dengan idola lain, anggota BTS memiliki kebebasan lebih kreatif secara pribadi, seperti kemampuan untuk menulis lagu dan lirik mereka sendiri dan mengelola media sosial mereka sendiri aspek yang BigHit pasarkan secara agresif kepada penggemar. Hasilnya adalah basis penggemar internasional besar yang dijuluki ARMY (akronim untuk Perwakilan Adorable MC untuk Remaja), yang terdiri dari jutaan orang yang menjangkau berbagai usia dan budaya.

Penggemar ini terorganisir dengan baik dan satu-satunya yang didedikasikan untuk Bangtan Boys. Mereka terus-menerus membanjiri Twitter dengan tagar untuk mempromosikan kegiatan band, mengatur untuk mengalirkan musik baru, dan bahkan membuat merch. Mungkin yang paling penting, penggemar melihat BTS sebagai tokoh publik yang orisinal, otentik, dan sadar sosial yang tidak takut untuk berbicara secara terbuka tentang perjuangan dan kecemasan dari jalur karier mereka.

“Ketika saya berbicara dengan penggemar BTS Amerika untuk penelitian saya, mereka mengatakan bahwa mereka tertarik pada betapa originalitas BTS dan bagaimana mereka mengatakan sesuatu tentang diri mereka sendiri, daripada hanya berbicara tentang uang, seks, dan narkoba [seperti artis Amerika] , ”Jade Kim, seorang profesor di Universitas Internasional A&M Texas yang meneliti budaya dan media pop Korea, memberi tahu saya. “BTS menghilangkan batas antara menjadi idola pop dan seseorang, dan itu perbedaan besar bagi penggemar.”

Harga unduhan atau streaming musik di Korea sangat murah, menurut Cho. “Menjual lagu yang sama persis atau album yang sama persis, tindakan Korea bisa mendapatkan keuntungan lebih dari delapan kali lebih banyak di luar Korea daripada di dalam,” katanya. Ini telah mendorong semua jenis artis Korea, dari idola ke penyanyi indie, untuk pergi ke luar negeri dan menargetkan audiens internasional. “Tidak ada cukup orang Korea di planet ini, yang tinggal di dalam atau di luar Korea, untuk membuat K-pop menjadi global,” kata Cho di BTS dan popularitas genre meningkat. “Sederhananya, penggemar internasional adalah alasan K-pop menjadi internasional.”

Sementara sponsor produk adalah hal biasa di industri hiburan Korea. BTS telah menembus pasar Amerika Serikat oleh kekuatan fandomnya, yang telah menggalang toko seperti Hot Topic, Target, dan Walmart untuk membawa barang dagangan dan album band. Itulah sebabnya Anda dapat menemukan hampir semua jenis produk bermerek BTS yang dapat dibayangkan di internet. Ada kopi buatan BTS, krim tangan, boneka Mattel, dan patung-patung Funko Pop. Anda juga dapat membeli kontak berwarna yang terinspirasi BTS, streetwear, sepatu Reebok, dan cek bank.

Memang, ini hanya daftar pendek kolaborasi merek BTS dan barang dagangan resmi. Ada ribuan produk tidak resmi lainnya di pasaran, dan Bangtan Boys juga merupakan duta besar untuk Fila, kota Seoul (selama tiga tahun berturut-turut), Hyundai Palisade, dan kejuaraan balap jalanan listrik yang diselenggarakan oleh Formula E.

Singkatnya, BTS ada di mana-mana, di Korea dan luar negeri. Keahlian branding mereka tidak dapat disangkal, dan bahkan produk yang dipromosikan secara tidak sengaja melalui “sentuhan emas” anggota BTS dapat dengan cepat terjual habis, baik itu sweter, pelembut kain, atau sebotol anggur. Berhati-hati seperti anggota untuk tidak menjatuhkan nama suatu merek, hanya masalah waktu sebelum penggemar dan akun produk BTS mengidentifikasi apa pun yang mereka kenakan atau singgung.

“Fandom sangat fokus untuk membeli merch resmi dari konser, BigHit, atau toko BTS Line karena langsung mendukung BTS,” kata Liv, penggemar BTS berusia 24 tahun dari Inggris yang tidak ingin mengungkapkan nama belakangnya. untuk alasan privasi. Liv telah berhenti membeli merch BTS untuk dirinya sendiri, tetapi dia terkadang membagikan barang-barang di Twitter agar penggemar lain memiliki kesempatan memiliki beberapa barang BTS.

Uang adalah aspek yang tidak dapat dipisahkan dari budaya fandom musik apa pun, bukan hanya BTS: Penggemar ingin mendukung artis favorit mereka, dan pengabdian itu biasanya diungkapkan melalui pembelian tiket konser, album, dan koleksi barang dagangan semua hal yang membantu artis berhasil. Tetap saja, tidak semua orang mampu melakukan itu atau tinggal di tempat merch mudah diakses, Liv memberi tahu saya, itulah sebabnya dia dan teman-teman tentara begitu bersemangat menerima hadiah media sosial. Budaya penggemar K-pop terutama konsumeris karena, seperti yang ditulis Caitlin Kelley untuk MTV.

Oleh karena itu, penggemar dapat merasa seperti mereka memiliki tanggung jawab untuk mendukung idola favorit mereka dengan membeli barang-barang bermerek setiap kali kolaborasi atau album baru dirilis. Hubungan itu seperti orang tua yang memberikan cinta tanpa syarat dan dukungan kepada anak mereka. David Kim, seorang YouTuber yang menganalisis budaya Korea dan K-pop, mengatakan kepada Washington Post.

Ada kerugian untuk fokus pada konsumerisme ini: Beberapa penggemar menghabiskan ribuan dolar untuk membeli barang dagangan atau bepergian untuk menghadiri konser dan bertemu-dan-sapa. Adalah normal untuk membelanjakan ekstra pada beberapa versi koleksi. “Merch-shaming” juga ada di beberapa sudut fandom K-pop gagasan bahwa memiliki koleksi merch atau menghadiri banyak pertunjukan adalah penanda “penggemar yang baik.” Budaya penggemar itu rumit, dan tidak semua orang membeli ideologi konsumeris (dan klasik) yang memiliki merch menjadikan seseorang penggemar yang lebih berdedikasi. Sebagian besar penggemar membeli barang dagangan dan tiket konser hanya karena mereka mencintai artis.

Di dalam lingkaran penggemar online, anggota ARMY seperti Liv telah menemukan cara untuk membuat komunitas BTS lebih inklusif, terutama bagi penggemar yang lebih muda dan mereka yang tinggal di tempat-tempat di mana sangat mahal untuk mengirimkan barang. US BTS ARMY, sebuah organisasi nirlaba dan situs berita penggemar untuk BTS, kadang-kadang menjadi tuan rumah hadiah merchandise seluruh dunia untuk penggemar global, dan Album untuk Setiap ARMY adalah proyek amal untuk para penggemar yang tidak dapat membeli album BTS mereka sendiri.

“Ada banyak penggemar ARMY, termasuk mereka yang masih remaja atau bersekolah, yang tidak memiliki penghasilan tambahan untuk barang dagangan,” kata Jackie, kepala keuangan di US BTS ARMY, kepada saya. (Jackie, yang secara sukarela bekerja di situs tersebut, hanya diminta untuk diidentifikasi dengan nama depannya.)

Permintaan akan barang bermerek sangat besar, tetapi sebagian besar penggemar setia tahu bahwa penjualan album fisik memiliki bobot dalam peringkat musik resmi. ARMY telah secara cerdik menentukan sasaran secara online untuk kembalinya mereka pada akhir Februari, menurut Jackie. “Ketika album baru keluar, kami sebagai basis penggemar mencoba dan mendorong pembelian album di negara tempat Anda tinggal sehingga itu diperhitungkan dalam grafik di negara itu,” katanya. “Karena kami adalah dari AS, sebagian besar tujuan kami diarahkan ke AS.”

Itulah sebabnya perusahaan hiburan Korea berupaya keras untuk mengembangkan album yang lebih ramping dan dibuat dengan indah; mereka dipasarkan sebagai barang koleksi, bukan hanya produk musik. (BTS dinominasikan untuk Grammy 2019 dalam kategori Paket Rekaman Terbaik.) “Daripada membeli CD dengan buklet, Anda sering membeli buku foto mewah [yang datang] dengan poster, kartu pos, stiker, atau tiket dengan CD dimasukkan sebagai bonus.

Pembelian beberapa item tambahan ini, seperti tiket konser atau T-shirt, ketika dipasangkan dengan album atau single dianggap “bundling,” sesuatu yang dilakukan banyak artis top AS untuk meningkatkan penjualan album.

Untuk ARMY dan penggemar K-pop lainnya, itu tidak benar-benar membuat perbedaan apa yang ada pada album atau seperti apa; mereka sudah berencana untuk membelinya dari awal. Tingkat pengabdian yang tulus kepada seorang seniman dan bahkan mobilisasi massa atas nama artis tersebut adalah yang membantu mendorong BTS ke pusat perhatian internasional.

Dengan kata lain, penggemar BTS mengambil sendiri untuk secara aktif mempromosikan karya band itu. Mereka sudah mengetahui jumlah aliran iTunes dan Spotify, tampilan YouTube, dan lagu Shazam meminta BTS untuk mencapai tempat No. 1 begitu Peta Jiwa: 7 dirilis. Jika tercapai, sasaran ini sekali lagi akan membuktikan kemampuan BTS untuk menduduki puncak tangga lagu Billboard. Energi ini adalah sesuatu yang bahkan sulit ditangkap oleh bintang-bintang terkenal seperti Justin Bieber: menjiwai banyak penggemar untuk streaming atau membeli musik yang akan menguntungkan artis.

Dalam briefing perusahaan pada awal Februari, BigHit mengumumkan rencananya untuk berinvestasi dalam pengalaman konser BTS yang lebih mendalam, memperkenalkan “desa wisata” di kota-kota tertentu dengan atraksi seperti hotel bertema BTS, toko pop-up eksklusif, dan pameran bertema lainnya . Label ini menempatkan fokusnya pada apa yang diinginkan penggemar, bagian penting dari formula keberhasilannya, menurut para eksekutif. Lintasan BTS dalam tiga tahun terakhir tidak dapat dihentikan; mereka telah memecahkan rekor, menjual stadion, memperkuat kehadiran internasional mereka, dan menandatangani kontrak tujuh tahun lagi, yang berarti mereka kemungkinan akan terus tampil di usia 30-an.

“Selama tubuh kita bertahan, kita akan melakukan hal yang sama dalam 10 tahun,” Suga, salah satu dari tiga rapper grup, mengatakan kepada Hollywood Reporter dalam cerita sampul tahun lalu

Dan, mungkin, selama tubuh BTS bertahan, itu bukan pertanyaan apakah basis penggemar mereka akan terus mendukung mereka, secara finansial dan artistik, secara individu atau sebagai kelompok. Apa pun yang mereka lakukan dan ke mana pun mereka pergi, ARMY akan berada di belakang mereka.

Month: February 2020